sábado, 13 de noviembre de 2010

ART NOUVEAU

Un arte nuevo                                                                                               
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.
En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva. El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas modernistas son artistas "integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres de uso diario. Así pues muchos arquitectos modernistas son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, herrajes, lámparas, joyas, carteles, etc.).

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y Países Nórdicos), Liberty (en Estados Unidos), Floreale (en Italia), y Modernismo (en España e Hispanoamérica).
Características formales















Las características que en general permiten reconocer al modernismo decorativo propiamente dicho son:
  • La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
  • El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Una derivación de este estilo en la década de 1920 es el denominado Art decó por lo que a veces se le suele confundir con el modernismo.
  • Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos.
  • Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.
  • Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos.
  • La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas , que se ve en el gusto por la curva.
  • La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.

Historia del Modernismo
El modernismo tuvo su mayor auge entre los años 1892 y 1902. Se considera que las primeras pinturas modernistas se encuentran en el Castillo de Roquetaillade (Francia). Eugène Viollet-le-Duc restauró el castillo en la década de 1850 y aun cuando su ideal para el torreón del castillo era producir una recreación gótica, la imitación dio lugar a frescos que son ejemplos del un estilo germinal modernista, arguyéndose a la vista de sus movimientos orgánicos, los colores y la gracia de sus formas. La primera señal evidente del movimiento modernista se puede reconocer en la década de 1880 en un conjunto de diseños progresistas tales como el diseño para la tapa del libro publicado en 1883 del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo que hizo en referencia a las iglesias diseñadas por Sir Christopher Wren. Se puede aducir también la tendencia en algunos diseños de hierro forjado con formas flotantes libres, o algunas diseños textiles florales, la mayoría de los cuales poseían algún ímpetu derivado de los patrones del diseño victoriano.
La libertad vindicada en la década de 1890 por los artistas de las distintas secesiones ocurridas en las distintas ciudades europeas dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento. Un punto destacado en la evolución del modernismo fue la Exposición Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín, Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció. El movimiento hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el amplio uso del hierro expuesto –aprovechándolo más allá de su función arquitectónica- así como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular – vitraux- en arquitectura. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonado en favor del arte moderno que con sus trazos más simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños industriales luego derivaría en el Art Decó.

El Modernismo en las Artes Gráficas

Boletín del período.
 


Rótulo estilo modernista.


























El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas.Ya sea en el diseño de cubiertas de libros, a ilustraciones de revistas de todo tipo, afiches comerciales a paneles decorativos o el diseño de tipografía para imprenta a la confección de postales, el modernismo dejó su marca.
De todos los autores que pudieron hacer aportes a esta gran amplitud, uno de los más influyentes e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como figura central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época.
Merece destacarse Aubrey Beardsley –pese a su corta vida- como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico y -en su caso- con ilustraciones en blanco y negro, con un estilo personalísimo que le ha reputado admiración a pesar de lo controvertido e irreverente que los temas que ilustra en sus obras fueron para su época. Otros diseñadores conocidos son Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser y Franz von Stuck.

Joyería Modernista


















El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas. El interés generalizado en el Arte japonés y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas. Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el Arte japonés. Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano. En la mayoría de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía. A los diamantes se les daba un papel subsidiario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal.

Arquitectura Modernista

























El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla entre los siglos XIX y XX.
Este movimiento deja de lado las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc.. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.
El modernismo arquitectónico como tal nace en Bélgica de la mano de Henry van de Velde y Victor Horta, allí se le dará el nombre de art nouveau. Henry Clemens van de Velde (1863-1957) es uno de los primeros modernistas. Construye la casa Bloemenwert , pero lo más interesante es el diseño de su decoración. Tiene influencias del expresionismo alemán, y son típicos sus tejados ondulados. Víctor Horta es el más puro de los modernistas y el más representativo. También son típicos sus tejados ondulados así como sus fachadas, que provocan un juego de luces y sombras muy decorativo que recuerdan al barroco. Descubre las posibilidades del hierro, en el que crea grandes forjas. Los elementos decorativos de su arquitectura se curvan asemejando la vegetación natural. Obra suya es la escalera de la calle Paul-Emile Janson en Bruselas y múltiples kioscos de hierro y bocas de metro lujosamente decoradas. También hizo el Hotel Solvay[1] en Bruselas. Lo más característico de este edificio son sus interiores lujosamente decorados y muy recargados, con lámparas, papel pintado, vidrieras y vitraux, todo de diseño. Otras obras suyas son el Hotel Tassel,[2] y la casa del Pueblo, el palacio de Bellas Artes, en Bruselas y el Gran Bazar de Fráncfort.
William Morris es otro de los grandes modernistas, de origen inglés. Su modernismo no cae en los excesos decorativos, es el más sobrio del movimiento, ya que se centra más en la implantación de la villa en la naturaleza (influencia del pintoresquismo inglés del siglo previo) y la valoración del espacio interior funcional. Sobre todo diseña muebles y pequeños utensilios cotidianos, y se le sitúa dentro del género en consonancia del arquitecto fránces Charles Voysey.
Otro británico es Charles Rennie Mackintosh que es otro de los más grandes arquitectos que influyó en el movimiento modernista. Sus planteamientos son originales y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos. Son características las formas prismáticas y octogonales. Mackintosh es el arquitecto modernista más sobrio en los exteriores, lo que le vale ser un precursor del racionalismo arquitectónico. Diseña muebles y joyas, y construye la Escuela de Arte de Glasgow .
Es Riga la ciudad con la mayor cantidad de edificios Art Nouveau de toda Europa.

Artistas más destacados

Algunas obras importantes

Orígenes

 Los orígenes del Art Nouveau se encuentra en la resistencia de William Morris a las composiciones desordenada y el resurgimiento de las tendencias de la época victoriana y sus enfoques teóricos que ayudaron a iniciar el movimiento de Artes y oficios .Sin embargo, Arthur Mackmurdo s libro de tapa de la Ciudad Wren Iglesias (1883), con motivos florales rítmica, a menudo se considera la primera realización del Art Nouveau.Al mismo tiempo, la perspectiva de planos y colores fuertes de los japoneses grabados en madera , especialmente los de Katsushika Hokusai , tuvo un fuerte efecto sobre la formulación de los lenguaje formal del Art Nouveau.La ola de japonismo que se extendió por Europa en los años 1880 y 1890 fue particularmente influyente en muchos artistas, con sus formas orgánicas, las referencias al mundo natural, y los diseños claro que contrastaba con el gusto reinante.Además de ser aprobada por artistas como Emile Gallé y James Abbott McNeill Whistler , inspirado en el arte japonés y el diseño fue defendido por los empresarios Siegfried Bing y Arthur Lasenby Libertad en sus tiendas en París y Londres, respectivamente.

  Personaje

 Aunque el Art Nouveau tuvo sobre las tendencias claramente localizada como su extensión geográfica mayor-analizan a continuación, algunas características generales son indicativos de la forma. A description published in Pan magazine of Hermann Obrist 's wall-hanging Cyclamen (1894) described it as "sudden violent curves generated by the crack of a whip", which became well known during the early spread of Art Nouveau. Subsequently, not only did the work itself become better known as The Whiplash , but the term "whiplash" is frequently applied to the characteristic curves employed by Art Nouveau artists. Such decorative "whiplash" motifs, formed by dynamic, undulating, and flowing lines in a syncopated rhythm, are found throughout the architecture, painting, sculpture, and other forms of Art Nouveau design. Una descripción publicada en la revista Pan de Hermann Obrist Cyclamen s-colgar en la pared "(1894) lo describió como" repentina curvas violentas generadas por el chasquido de un látigo ", que llegó a ser bien conocido en la difusión temprana del Art Nouveau.Posteriormente , no sólo el trabajo en sí es más conocida como El latigazo cervical, pero el término "latigazo" se aplica frecuentemente a las curvas características empleados por renombrados artistas del Modernismo.Tal decorativos "latigazo cervical" motivos, formado mediante un sistema dinámico, ondulado, y líneas que fluyen en un ritmo sincopado, se encuentran en toda la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

Filosofía y geografía

Art Nouveau is now considered a 'total' style, meaning that it encompasses a hierarchy of scales in design — architecture ; interior design ; decorative arts including jewellery , furniture , textiles , household silver and other utensils and lighting ; and the range of visual arts . Art Nouveau, ahora se considera un "total" de estilo, lo que significa que abarca una jerarquía de escalas en el diseño - arquitectura , diseño de interiores , artes decorativas como joyas , muebles , textiles , plata y otros utensilios del hogar y la iluminación , y la gama de las artes visuales . (See Hierarchy of genres .) In the philosophy of the movement, art should be a way of life.For many Europeans, it was possible to live in an art nouveau-inspired house with art nouveau furniture, silverware, crockery, jewellery, cigarette cases, etc. Artists desired to break all connections to classical times and bring down the barriers between the fine arts and applied arts. (Véase la jerarquía de géneros .) En la filosofía del movimiento, el arte debe ser una forma de vida.Para muchos europeos, era posible vivir en una casa modernista de inspiración del arte con el arte nouveau muebles, platería, loza, joyeros, cigarrillos, etc artistas deseaban romper todas las conexiones a la época clásica y derribar las barreras entre las bellas artes y artes aplicadas. Art Nouveau was underlined by a particular way of thinking about modern society and new production methods, attempting to redefine the meaning and nature of the work of art so that art would not overlook any everyday object, no matter how utilitarian. Art Nouveau fue subrayada por un modo particular de pensar en la sociedad moderna y los nuevos métodos de producción, tratando de redefinir el significado y la naturaleza de la obra de arte para que el arte no pasaría por alto cualquier objeto cotidiano, no importa lo utilitario. Hence the name Art Nouveau - "New Art".  De ahí el nombre de estilo Art Nouveau - "Arte Nuevo".

 internacionales

Un punto culminante en la evolución del modernismo fue la Exposición Universal de 1900 en París, que presentó un resumen del "estilo moderno" en todos los medios. It achieved further recognition at the Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna of 1902 in Turin , Italy, where designers exhibited from almost every European country where Art Nouveau was practised. Se logró un mayor reconocimiento en la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 en Turín , Italia, donde los diseñadores exhibieron desde casi todos los países europeos donde el Art Nouveau se practicaba.














 
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